Teatro 101: Una guía de su historia, géneros dramáticos y cómo disfrutar del teatro en vivo

El teatro es una de las formas más antiguas de narración de historias que aún se practican hoy. Comprender de dónde provienen sus géneros principales —y conocer algunos hábitos prácticos para ver una función en vivo— puede hacer que cualquier presentación, desde una obra escolar hasta un musical de Broadway, sea más fácil de seguir y disfrutar.

Donde comenzó el teatro: Atenas y la Dionysia

Según la World History Encyclopedia, el teatro griego emergió en Atenas en el siglo VI a.C., surgiendo de rituales religiosos que honraban al dios Dionisos e involucraban máscaras y canción coral. El principal lugar para nuevas obras fue la City Dionysia, un festival primaveral anual en el que ciudadanos adinerados llamados chorēgoi financiaban producciones y un funcionario llamado archon seleccionaba qué obras competirían.

La tragedia se le atribuye al actor Tespis alrededor del 520 a.C. y fue desarrollada posteriormente por tres dramaturgos dominantes: Esquilo, quien expandió el diálogo; Sófocles, quien añadió un tercer actor y decorados; y Eurípides, conocido por sus personajes psicológicamente realistas. Cada dramaturgo presentaba tres tragedias más una obra satírica —una parodia mitológica cómica interpretada por un coro vestido como sátiros. La comedia, que los griegos remontaban a hombres que imitaban a otros, posteriormente maduró en la «Nueva Comedia» bajo Menandro, quien introdujo protagonistas románticos y personajes estereotipados como el esclavo astuto, según la misma fuente.

Los teatros griegos eran estructuras al aire libre con excelente acústica; un coro de hasta 15 intérpretes en tragedia (24 en comedia) cantaba y bailaba mientras los actores cambiaban de ropa detrás de una estructura como tienda llamada skēne. La violencia nunca se mostraba en el escenario —la muerte de un personaje siempre era reportada por otro personaje, según señala la World History Encyclopedia.

De las máscaras italianas al realismo ruso

Las formas teatrales continuaron evolucionando mucho después de la antigüedad. La commedia dell'arte emergió en Italia alrededor de mediados del siglo XVI y se mantuvo popular hasta finales del siglo XVIII, de acuerdo con un artículo explicativo de Vaia. Las compañías actuaban en escenarios públicos temporales usando personajes estereotipados reconocibles —como el criado astuto Arlecchino (Arlequín), el comerciante avaro Pantalone, el erudito pomposo Il Dottore, y el soldado fanfarrón Il Capitano— cada uno identificado instantáneamente por una máscara distintiva. En lugar de seguir un guión fijo, los actores improvisaban diálogos alrededor de esquemas argumentales llamados scenario, mezclando rutinas de comedia física ensayadas conocidas como lazzi con invención espontánea. La fuente rastrea las raíces de la comedia de improvisación moderna y los tipos de personajes estereotipados en cine y televisión hacia esta tradición.

Un enfoque muy diferente llegó con Konstantin Stanislavski, nacido en Moscú en 1863, quien cofundó el Teatro de Arte de Moscú en 1898 con Vladimir Nemirovich-Danchenko, según un iniciador de investigación EBSCO. Reaccionando contra las convenciones del siglo XIX en las que se esperaba que los actores encarnaran el personaje sin basarse en sus propias experiencias, Stanislavski construyó un sistema para la actuación psicológicamente fundamentada, montando obras de Chéjov, Tolstói e Ibsen. Sus técnicas —incluyendo «circunstancias dadas», memoria emocional y definición de los objetivos de un personaje— posteriormente moldearon el «método de actuación» de Lee Strasberg y siguen siendo parte del entrenamiento de actores hoy, según la fuente.

Los principales géneros dramáticos

La mayoría de las obras presentadas hoy pueden agruparse en varios géneros amplios, como se describe en BroadwayWorld. La tragedia se centra en conflicto, sufrimiento y decisiones difíciles que a menudo terminan mal para el protagonista —desde Hamlet y Macbeth de Shakespeare hasta Death of a Salesman de Arthur Miller, que llevó la forma a un personaje central ordinario, en lugar de real. La comedia tiene como objetivo entretener y típicamente se mueve hacia la resolución en lugar de la catástrofe; incluye subgéneros como comedia romántica, sátira y comedia de costumbres, con ejemplos como A Midsummer Night's Dream de Shakespeare y The Importance of Being Earnest de Oscar Wilde.

El melodrama se basa en emociones exageradas y eventos sensacionales con héroes y villanos claramente definidos; fue especialmente popular en los siglos XVIII y XIX y aún influye en cine, televisión y musicales, según la misma fuente. La farsa empuja la comedia más allá con situaciones exageradas e improbables, identidades confundidas y actuación física rápida, donde el tiempo preciso es esencial en la presentación en vivo.

Cómo aprovechar al máximo una función en vivo

Las guías de etiqueta teatral y preparación de compañías y medios establecidos convergen en algunos pasos prácticos para asistir a una función, ya sea la primera o la quincuagésima.

1. Elige una función que se ajuste a lo que ya disfrutas —un musical si te gustan las canciones grandes y lo visual, un drama o comedia si prefieres historias impulsadas por personajes— según la guía de Stage and Cinema para los asistentes al teatro por primera vez.
2. Lee un breve sinopsis o ve un tráiler de antemano si existe uno, sin arruinar las sorpresas, la misma guía sugiere.
3. Elige asientos basándote en las líneas de visión en lugar de asumir que los más caros son los mejores; los asientos ligeramente descentrados o unos pocos asientos hacia atrás pueden ofrecer una vista fuerte de la coreografía y el diseño del escenario a un precio más bajo.
4. Llega 20–30 minutos antes para manejar los boletos, estacionamiento y baños sin prisa, y planifica visitas al baño antes de que comience la función, según la guía de Stage and Cinema para los asistentes al teatro por primera vez.
5. Apaga los teléfonos completamente —la Shakespeare Theatre Company señala que la fotografía y la grabación de video están prohibidas durante las presentaciones, y que los actores pueden ver y oír al público tan claramente como el opuesto.
6. Desecha la comida antes de entrar; la comida y la bebida generalmente no están permitidas dentro del espacio del teatro, según la página de etiqueta de la Shakespeare Theatre Company.
7. Guarda la conversación con los acompañantes para el intermedio o después de la función, y evita salir temprano, ya que ambos interrumpen a otros miembros de la audiencia y a los actores.
8. Reacciona genuinamente —reír y aplaudir en momentos apropiados es alentado— pero permanece en tu asiento durante la función misma.
9. Recuerda que el teatro en vivo no ofrece un botón de pausa o primeros planos editados: Stage and Cinema señala que tu atención es tuya, por lo que puedes notar un detalle de actuación, iluminación o diseño del escenario que otro miembro de la audiencia se pierde.

Por qué el marco griego aún importa

Muchos de los términos utilizados para describir obras de teatro hoy —tragedia, comedia, coro, protagonista— se originan directamente del vocabulario y la estructura que los griegos establecieron en la City Dionysia, según se documenta en la World History Encyclopedia. Movimientos posteriores, desde los personajes estereotipados improvisados de la commedia dell'arte hasta el realismo psicológico de Stanislavski, se construyeron sobre o reaccionaron contra esa base en lugar de reemplazarla completamente, por lo que los programas contemporáneos aún describen una nueva obra como una «tragedia», una «comedia», o una «farsa».